Nueva York. Por primera vez, el Instituto de Vestidos del Museo Metropolitano de Nueva York dedica una muestra exclusivamente a los diseñadores afro descendientes. Y, en más de veinte años, mira la moda masculina.
Lejos de centrarse en íconos individuales como Karl Lagerfeld o Charles James, la exposición ‘Superfine’ se destaca para nuevos talentos, como Agbobly, y construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
Bajo la curadora de Andrew Bolton y la académica Mónica L. Miller, esta propuesta muestra más de 60 piezas, entre prendas, accesorios, retratos, fotografías y audiovisuales que revelan cómo el estilo puede ser político y emocional.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
La inspiración proviene del libro de Mónica L. Miller «Eslavos a la moda: dandyismo negro y el estilo de la identidad diaspórica negra»Una investigación que cruza la historia del dandismo negro como una forma de reclamar la identidad, la belleza y el poder en los espacios donde fueron negados.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
Una experiencia sensorial
En el segundo piso del Met, los visitantes viajan a través de una narrativa que explora los pilares del dandismo negro: propiedad, presencia, distinción, disfraz, libertad, campeón, Jook (casas de placer frecuentadas por la comunidad negra), herencia, belleza, frescura y cosmopolitismo.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
Desde prendas utilizadas por personas esclavizadas, útiles, bordadas, al servicio de la ostentación de otros, hasta piezas contemporáneas de Virgil Ulh, Dapper Dan, Pharrell Williams o Grace Wales Bonner, la exposición cruza siglos y estilos. Cada pieza cuenta una historia de lucha, ingenio y sofisticación.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
La exposición está organizada en doce secciones conceptuales, no lineales, que atraen un estilo masculino masculino emocional, estético y político a lo largo de los siglos. Cada módulo es un manifiesto visual sobre cómo la ropa se convierte en un acto de resistencia, expresión cultural y afirmación personal.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
«Distinción»: Es la primera fase de la exposición. Muestra cómo se ha utilizado el estilo para marcar la diferencia y lograr el respeto en los entornos donde el racismo impuso los límites. Refinamiento, elección de telas, cortes y accesorios crean una narración de excelencia.
La muestra construye una narrativa rica y vibrante sobre el estilo negro masculino a lo largo de los siglos.
«Propiedad»: Este módulo impacta desde el principio: una capa de terciopelo morado utilizada por un esclavizado en Maryland, bordado con hilos dorados, muestra cómo incluso el cuerpo de los oprimidos podría convertirse en un símbolo de riqueza extranjera y muestra cómo esa misma ropa podría volver a apropiarse como un símbolo de libertad.
La exposición es una experiencia sensorial, intelectual y emocional.
Más tarde, un conjunto de estilo contemporáneo, de Grace Wales Bonner, en terciopelo de seda y adornado con cristales y cauris (moneda antigua africana). El mensaje es claro: el vestir puede ser una forma de curación, de reclamar el nuestro.
En la sección «Disfraz», los antiguos anuncios de periódicos ofrecen recompensas para esclavos fugitivos. Muchos fueron descritos como «particularmente aficionados a la ropa», porque su ropa podría ayudarlos a ocultar su identidad … o ser vendido para financiar una nueva vida en libertad.
La exposición es una experiencia sensorial, intelectual y emocional.
En paralelo, chaquetas Blanquecino Juegan con los límites de lo masculino y las etiquetas femeninas y desafiantes de la moda actual. Investigue cómo, en tiempos de esclavitud, vestirse con elegancia podría ser un acto de supervivencia. La ropa permitió a los esclavizados escapar o financiar su libertad. Hoy, esta idea se refleja en piezas que juegan con roles de género e identidades híbridas.
«Herencia»Agubly mueve un diseño lleno de color inspirado en las bolsas que los migrantes africanos usaron para llevar sus pertenencias. Otro conjunto, en mezclilla con relatos y cristales, honra a las mujeres de su infancia: sus tías, su abuela, los pasillos trenzados … lugares donde se forjaban lazos y la pertenencia. Este módulo destaca cómo los diseñadores contemporáneos honran sus raíces africanas y caribeñas. Las piezas inspiradas en textiles tradicionales, objetos cotidianos o recuerdos familiares revelan una conexión viva con la diáspora.
La gira cultural se refiere a vestirse sobre su posición, en muchos casos, era una cuestión de vida o muerte. También era una forma de viajar de la esclavitud a la libertad.
«Presencia»: aborda el poder de la imagen pública. Desde los retratos de los hombres negros del siglo XIX hasta la forma en que líderes como Du Bois proyectaron autoridad y sofisticación, esta sección demuestra cómo la presencia visual es un lenguaje de respeto y representación.
«Libertad»: Celebre la moda como un espacio de autonomía. Desde la vestimenta de artistas contemporáneos hasta referencias a tiempos de liberación histórica, esta sección habla del derecho a vestirse y pertenecer.
«Campeón»: Hace homenaje a aquellos que, desde deportes, arte o política, han usado su imagen como escudo y pancarta. Aquí, el estilo se convierte en una forma de liderazgo cultural.
«Jook»: Se refiere al universo de los espacios de disfrute, donde la moda era desinhibida, creativa y profundamente personal. Una celebración de autenticidad.
«Belleza»: Estética negra reclamo en sus múltiples formas. El cuerpo, adornos, tejidos, todo habla de una belleza que resiste los cánones fiscales.
«Frescura»: Exalta la capacidad de estilo negro para reinventarse, ser avant -garde y marcar las tendencias. Es la actitud, el ingenio y la personalidad convertidos en lenguaje visual.
«Cosmopolita»: Esta sección refleja cómo los hombres negros han sido ciudadanos del mundo, apropiándose de los estilos globales sin perder su identidad.
«Distinción (bis)»: El concepto se repite al final de la gira para subrayar su relevancia durante la exposición.
Estas secciones constituyen una experiencia curatorial que, más allá de la moda, cuenta una historia de lucha, ingenio y celebración cultural. En «Superfine», cada prenda y cada objeto es una declaración de estilo … y de la historia.
<
Deja una respuesta